Entre el arte y la vida – Alan Kaprow

El arte a veces comienza y termina con preguntas. Una gran pregunta para mí a mediados de los años 50 y 60 fue ¿Qué es el arte? Intenté responder con lo que entonces eran movimientos artísticos de vanguardia. Llenaba los espacios improvisados de las galerías con basura recogida en las calles. Sonidos y luces por todas partes. Se instó a los visitantes a entrar en los espacios y mover las piezas como si fueran muebles. Llamé a estas acumulaciones Ambientes y acepté a medias un sofisma flotando por los estudios, ¡que el arte era cualquier cosa!
Pero “cualquier cosa” era demasiado fácil. Si cualquier cosa era arte, nada era arte. Y los pocos ejemplos experimentales de tales pretensiones en ese momento, incluido el mío, eran patentemente idiosincrásicos, difícilmente tan abiertos como una teoría de cualquier cosa prometida. Nadie que yo recuerde se bañó en gelatina de limón o se convirtió en un maestro de escuela como arte (hasta mucho más tarde).
El arte de vanguardia en aquellos días era claramente algo. Pero, ¿qué era? De nuevo, pensé que tenía la respuesta: el Happening. El Happening fue inicialmente un collage de eventos bastante abstractos para audiencias móviles como:

Tres pasos adelante y dos a la derecha
Pancartas púrpuras caen desde arriba
Rugido de sierra circular
Fósforos se encienden y se apagan lentamente
Cara en un espejo
Ahora ve a la habitación cinco…

El Happening me pareció una nueva forma de arte que no podía ser confundida con pinturas, poesía, arquitectura, música, danza u obras de teatro. Como residuos de un pasado europeo, estas viejas formas de arte habían perdido su arte para mí por la sobreexposición y la adoración vacía. Los acontecimientos eran recientes.
Pero pronto, incluso los Happenings experimentales aparecieron cargados con la historia
del arte que reemplazarían. No me refiero a los temas tradicionales de género, estilo y temática que ocupan a historiadores y críticos. Hablo de creencias incuestionables asociadas a todas las artes. Por ejemplo, la creencia en objetos que se pueden poseer; la creencia en la eternidad; la creencia en el control y la habilidad; la creencia en la creatividad; la creencia en la publicidad y la fama; la creencia en la comerciabilidad. Estas creencias guiaron a los Happenings no menos que las artes convencionales y la cultura popular. Los Happenings, por lo tanto, eran sólo otra versión del teatro de vanguardia. Pero gradualmente eliminé la mayoría de estas creencias haciendo eventos sólo una vez, al no enviar anuncios, al cambiar los sitios de los eventos de los lofts de artistas y galerías subterráneas a paisajes remotos o a múltiples sitios que no estaban en contacto entre sí, así como alentando a la gente a seleccionar sus propios sitios y tiempos. El clima y los insectos estaban ocasionalmente involucrados. La flexibilidad del tiempo permitía a los pasajeros en viajes transatlánticos calcular sus actividades en función de los cambios de zona horaria. El mayor problema, sin embargo, fue la presencia de audiencias. Las audiencias han sido requisitos estándar del teatro y de la música, populares y de alto nivel, desde el pasado remoto. Las galerías comerciales y la mayoría de los museos también cuentan con sus asistentes para determinar los próximos presupuestos, programas y ventas. Deshacerse del público podría amenazar no sólo la autoestima de un artista, sino también su supervivencia.
Tenía un trabajo, afortunadamente, y así podía experimentar. Mi audiencia (nunca grande) se redujo aún más a un puñado de participantes más el transeúnte accidental que era invitado a participar en la actividad. Los participantes se ofrecían voluntariamente para participar en una tarea explicada con anticipación:

Construír una torre de latas usadas de Coca-Cola
Hacer mucho ruido
Destrozárla

Pero esa estrategia no fue suficiente. Dejar galerías, museos y círculos profesionales de arte por bosques, callejones, baños públicos y pasillos de supermercados difícilmente podría borrar mi papel como ex pintor en la escena artística de Nueva York de los años 40 y 50. Fue como rechazar una afiliación sindical. Se me conocía por mi pasado y me era recordado constantemente. Igual de serio, era profesor a tiempo completo de historia del arte y de prácticas de estudio en una universidad, y esto también era de dominio público. Algunos vieron esto como un conflicto: un pie en el presente y otro en el pasado.
Pero tomé el ejemplo de las historias de prácticas monásticas en las que las personas insatisfechas, buscando el significado proverbial de la vida, abandonan el mundo real y sus tentaciones por un presunto espiritual, y mejor ser.
¿Podría hacerse esto en el arte sin entrar físicamente en la celda de un monje de por vida? Pensé que se podría y lo llamé “no-arte”. Esencialmente, esto se logró sacando el arte del arte, lo que en términos prácticos significó descartar las características del arte. Esto me permitió mantener mi membresía en la comunidad artística mientras lo dejaba. Dejar el arte es el arte. Pero debes tenerlo para dejarlo.
Lo defino como ese acto o pensamiento cuya identidad como arte debe permanecer por siempre desconocida. Es decir, para responder a la pregunta inicial ¿Qué es el arte?, el arte podría (pero no podría) ser simplemente hacer arte, sea lo que sea, siempre y cuando no pueda ser identificado.

Allan Kaprow
2001

Traducido por Belén L. Santamarina

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